La diversidad -y 4

 

 

Empezando como se acababa el anterior post, de nuevo la misma pregunta: ¿Es aceptable o criticable una gran diversidad dentro de la obra de un mismo artista?

Ante todo creo que son una franca mayoría los artistas que dirigen considerable cantidad de su esfuerzo en tratar de obtener una uniformidad que sea visible en el conjunto de su obra, porque suele interpretarse como signo de una cierta coherencia, madurez y personalidad, que posibilita la identificación del autor ante la simple visión de su obra, sin necesidad de leer su firma.

Aunque eso es así, todos conocemos también otros artistas también serios que muestran un particular polimorfismo en su producción, a veces haciendo bandera de tal actitud. Para ellos cada obra debe ser singular, siempre distinta y por ello valoran la similitud como un signo de debilidad, un tic manierista, adjetivo que siempre lleva aparejado una connotación negativa. Lo subjetivo, lo irrepetible debe primar siempre sobre el componente objetivo de la realidad que sirve de modelo, que únicamente debe servir como activador del proceso creativo, autónomo y variable como cada momento de nuestra vida.

Evidentemente nos estamos refiriendo a aquellos casos de diversidad intensa y coetánea, no la que aparece en la evolución del artista en función de su edad y condiciones biográficas, que siempre resulta conveniente, aunque pueda adquirir diversas intensidades en cada caso concreto.

Podemos ponernos de acuerdo en que disponer de una amplia variedad de registros siempre suele ser signo de riqueza y de capacidad, tanto cuando se refieren a las propias temáticas (paisaje, marinas, figura, etc.) como a las gamas cromáticas utilizadas o al propio lenguaje plástico, siempre que se atisbe cierto hilo conductor. No cabe duda de que resultará siempre más difícil defenderse de la acusación de monotonía excesiva, sea temática, de colorido, de lenguaje o técnica.

La respuesta acertada sobre la legitimidad del supuesto exceso en la diversidad mostrada por algún artista en concreto solamente la conoce él mismo. Tan solo él sabe de una forma más o menos consciente los profundos motivos de su polimorfismo pictórico, su verdad, su autenticidad, cuando van más allá de las modas, influencias externas y de la inseguridad personal que puede producir indecisión en cuanto al propio camino plástico en un momento dado. Como también al propio artista le corresponde la responsabilidad de resolver el dilema, corrigiendo o manteniendo tal diversidad.

En tales casos un observador externo, si desea ser responsable, debe tratar de ser tolerante y respetuoso con la actitud de cada artista. Lo que no significa que no sea más partidario de una evolución gradual que de un estatismo absoluto, a la vez que pueda preferir constatar cierta regularidad que interpreta como signo de una mínima convicción intelectual.

Si además el mismo observador percibe algún tipo de paralelismo entre la evolución del conjunto de una obra y la propia experiencia personal del artista, siente mayor tranquilidad. En todo caso, ante la duda siempre hay que escoger la libertad para el artista.

 

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Aprovecho la ocasión para desear a todos unas Felices Navidades, así como los mejores augurios para el nuevo Año 2014, que ya nos está acechando desde una cercana esquina, con toda la incertidumbre de lo que está por venir, que esperemos sea cada vez más grato, ya que se está haciendo cada vez más necesario.
 

 

La diversidad -3

 

¿Es aceptable intentar poner algún tipo de límite a la manifiesta diversidad lograda durante las dos décadas últimas en el ámbito de la práctica acuarelística?

 

A buen seguro que ya el simple planteamiento de la pregunta sería por sí mismo capaz de suscitar recelos y  protestas en una gran parte de acuarelistas que fueran consultados sobre este asunto, tal es el grado de universalidad conseguido en la aceptación del principio de libertad creadora, hoy considerada una irrenunciable conquista de las vanguardias del siglo pasado.

 

Mi intención, al plantear así el asunto, no es otro que una saludable provocación intelectual. Por supuesto que no hay ninguna duda de que los márgenes de la libertad creativa han de ser tan amplios como sea posible, tanto en su aspecto estrictamente formal (temáticas, formatos, lenguajes, etc.) así como en el técnico (soportes, materiales, procedimientos, etc.), aunque no estaría de más añadir una precisión: siempre que no sean vulneradas o puestas en serio compromiso aquellas condiciones que definen la naturaleza de la acuarela.

 

A título meramente personal, considero que entre todas las características de la acuarela, la cualidad de la transparencia es la más esencial y constitutiva de esta técnica pictórica. Consiguientemente, pienso que las obras que de forma  manifiesta sustituyan por opacidad amplias zonas de la superficie pintada, no deberían ser catalogadas como acuarela sino como técnica mixta, con sus consiguientes efectos. De esta manera se evitaría violentar lo más específico de la técnica.

 

Nótese que ello no excluiría un uso restringido de algunos elementos total o parcialmente opacos, -que en ciertas ocasiones pueden estar más que justificados, ante ciertas dificultades descriptivas, o aunque fuera tan solo por la simple voluntad del artista-.

 

Es evidente que un enunciado así puede dar paso a polemizar sobre qué se entiende por una zona amplia, si debería ser cuantificada en porcentajes de la superficie, etc., juego en el que no me atrevería a entrar y que es tarea que concierne a quienes deben tomar decisiones en algún momento determinado, como por ejemplo desde la posición de un comité para la  selección de obras en aquellas muestras acuarelistas que lo requieran.

 

Como que el derecho a ser transgresor no puede ser patrimonio exclusivo de los artistas, también puede afectar a los propios miembros de estos comités, y de hecho es lo que ocurre en algunos casos, cuando se observa la facilidad con que se aceptan ciertas extralimitaciones que a primera vista parecen comprometer la naturaleza propia de la técnica.

 

A fin de cuentas –deben pensar- tampoco pasa nada. Al menos mientras que una notable mayoría siga respetando las normas básicas, no existirán graves riesgos para los intereses de la técnica acuarelística...

La supervivencia de la Acuarela como tal exigen, en mi opinión, algunas dosis de prudencia por parte de todos, de modo que un rechazo argumentado de ciertos planteamientos radicales excesivamente destructores, puede ser no solamente aceptable, sino incluso conveniente. Siempre cabe competir en modalidades más apropiadas.

 

Este tipo de situaciones, siempre delicadas, deben ser encaradas todavía con mayor sensibilidad en aquellas iniciativas actuales que precisamente pretenden de forma explícita potenciar la innovación, la experimentación, actitudes siempre plausibles y merecedoras de todo apoyo, aunque también de cierto discernimiento.

 

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Un aspecto más a valorar en relación con la diversidad es el que tiene que ver con la que se da dentro de la obra de un mismo artista, tema que por su propia naturaleza es más vidrioso aún que el anterior, ya que se vincularía de modo más estrecho con su indiscutible derecho a la libertad personal.

De nuevo la misma pregunta: ¿Es aceptable o criticable una gran diversidad dentro de la práctica de un mismo acuarelista?

Lo dejaremos para el próximo post.

La diversidad -1

 

 

 

La simple casualidad de coincidir en el tiempo dos eventos acuarelísticos relevantes a cargo de dos excelentes acuarelistas de nuestro país, Jesús Lozano Saorín y Manel Plana, que practican unos lenguajes bien diferentes entre sí, me ha hecho reflexionar sobre la necesidad de mantener siempre una actitud tolerante y lo más abierta posible ante las formas más dispares de entender la acuarela. No solamente eso, sino la obligación de tratar de fomentar ampliamente dicha diversidad en aquellos ambientes que sean aptos para la divulgación del conocimiento artístico.

Todos conocemos bien que si la acuarela ha conseguido ganarse un pequeño espacio dentro del mundo de la pintura  ha sido a través de un esfuerzo mantenido en el tiempo y también a haber jugado sus mejores cartas, entre las que han destacado la ortodoxia de la técnica, la exigencia de unos mínimos requisitos de calidad respecto al soporte de papel, la predilección por los formatos pequeños, la ejecución generalmente en pocas sesiones, cuando no en una sola, dado el carácter propio de la técnica, que permite aplicar sucesivas capas en espacios cortos de tiempo, siempre que se den unas favorables condiciones de humedad.

Algunas de estas características han favorecido entre otras cosas una mayor práctica colectiva, aprovechando salidas pictóricas hacia lugares de interés, en las que se estrechan relaciones con otros acuarelistas. Se dirá que ello ocurre también en cualquier otra técnica y es verdad, pero justo es reconocer que la diversidad de posibilidades técnicas, tamaños, soportes, etc no facilita las cosas a tales colectivos, lo que está en la raíz misma de la prevalencia tan desigual en cuanto a los movimientos asociativos, ampliamente extendidos entre los acuarelistas, dando lugar a unas agrupaciones activas, algunas de ellas de largo recorrido.

Es probable que en tales movimientos no pueda excluirse cierta actitud de defensa de los propios intereses entre los practicantes de la acuarela, técnica que todavía hoy demasiadas personas consideran como un arte menor, remisas a considerar pintura a nuestras aguadas. Sin embargo, se trata de opiniones en franca regresión que solamente una mente muy radical y rigorista puede defender con un mínimo de honestidad intelectual.

En realidad todos los condicionantes sociológicos más arriba apuntados poseen en sí mismos un cierto efecto uniformador, por inevitable contagio entre las formas de hacer, las conocidas influencias, que como tales han existido y existirán siempre entre artistas de ámbitos cercanos geográficamente. Tales influencias se hacen más patentes en el interior de aquellos grupos que se constituyen alrededor de algún artista de más talento, que aún sin pretenderlo llega a constituirse en un verdadero maestro, admirado por su saber mientras se le intenta copiar de modo formal y acrítico, o escrutar inteligentemente y en silencio, con el objeto de penetrar el secreto que se esconde dentro de la propia excelencia.

En cualquier caso, coincideremos en que es innegable que durante estas últimas décadas las cosas han ido cambiando de una manera sustancial, y ello por muy diferentes motivos:

-La inquietud creciente entre los artistas plásticos, siempre en pos de un valor fundamental, la creatividad, entendida a menudo como diferencia, ruptura y transgresión, modelo inoculado entre los jóvenes emergentes como una cualidad imprescindible para demostrar la propia valía.

-La movilidad geográfica, con la consiguiente apertura hacia otros naciones y otros continentes, especialmente hacia los países europeos más adelantados y Norteamérica, donde el arte ha sido más proclive a desarrollar todo género de las inquietudes antes insinuadas, a lo que habría que añadirse la difusión de las filosofías del lejano oriente, desde donde han llegado formulaciones introspectivas, desmaterializadoras, líricas, minimalistas, que ponen mayor énfasis en espacios diáfanos y vacíos, favorables al silencio, a veces complementados por los desahogos enérgicos y vitales del movimiento gestual, en gran parte reminiscencia de la propia escritura oriental. Para acabar de completar la descripción debería citar las influencias del llamado tercer mundo, con todo su primitivismo formal, el cromatismo desbordante del arte africano y del hispanoamericano, que presentan unas iconografías marcadas por sus particulares coordenadas culturales, creencias y movimientos sociopolíticos.

-La hiperproducción de bienes, derivada de la industrialización y del capitalismo dominante, que ha provocado la aparición de múltiples productos de consumo con utilidad artística, como nuevos pigmentos, multitud de sustancias que permiten ampliar el espectro de los soportes aptos para pintar con acuarela, aún con evidentes dificultades de incierta solución, todo hay que decirlo. En cambio, otras limitaciones como las que tienen que ver con el tamaño de papel utilizable han desaparecido gracias a la multitud de tamaños disponibles, desde los pequeños cuadernos utilizados por los movimientos urban-sketchers hasta los inacabables rollos utilizados por todos los artistas partidarios del gran formato.

Todo ello provoca condiciones favorables al abandono de aquel estilo tan propio de la acuarela clásica, como eran aquellas acuarelas inglesas con su esmerado dibujo subyacente, los apuntes perfectos, sus expresivas ilustraciones, tantas y tantas filigranas fruto de un tiempo que, para bien o para mal,  era bien distinto del que nos toca vivir hoy...

(Seguirá)